Butter Architecture

Various Small Fires
Los Angeles




Various Small Fires proudly presents Eco-art Work: 11 Artists from 8 Countries, a group show curated by the legendary founders of the Ecological Art Movement and gallery artist Newton Harrison (b.1940) of The Harrison Studio, an esteemed collaborative endeavor with his late wife Helen Mayer Harrison (1927-2018). This exhibition brings together works by Harrison and ten additional artists: Salma Arastu, Brandon Ballengée, Barbara Benish, Nathalie Blanc, Tim Collins and Reiko Goto, Jorgge Menna Baretto, Aviva Rahmani, Åsa Sonjasdotter, Ruth Wallen, and Yangkura. The mixed-media works, paintings, sculptures, sound, videos, and research highlight the urgency of environmental injustice in our local and global communities.

With a practice spanning over 50 years, The Harrisons have transformed neighborhoods, gardens, bodies of water, and even large land masses through their artwork, research, and proposals. Their projects have influenced policies and shaped city planning. Eco-art Work: 11 Artists from 8 Countries reflect an ongoing commitment to not only do work that “benefits the ecosystem” but to inspire and influence generations of artists to continue the mindful duty of caring for the Earth we live on. The Harrisons charge their audience in their monumental catalog, The Time of the Force Majeure: “‘Travelers, let us continue the serious labor of re-enchanting the planet”. The exhibition brings together members of an extensive network of eco artists dedicated to raising awareness of the ongoing negative impacts of militarization, environmental disregard, industrialization, and pollution on the land. 

Santa Cruz-based Brazilian artist Jorgge Menna Barreto’s single-channel video entitled Lugares Moles (Butter Architecture) depicts a block structure made of butter slowly melting from the camera’s heat and lights onto human figures and architectural models as commentary on climate change. Working in the Czech Republic and Santa Cruz, California, artist Barabara Benish presents works from her Climate House series. By modifying architectural drawings and illustrations from the 1930s, the artist underlines the reality of climate change, juxtaposing the urgency of rising tides against the sterility of the blueprints. Based in Seoul, Yangkura collects trash that has washed up on the shores of South Korea to design elaborate monsters that he then performs in. A photograph from his performance depicts the monster’s mythic return to South Korea from the shores of the beach. 

Rooting us in the earth are works that decenter the human and provide a multispecies lens to climate justice. Salma Aratsu’s paintings inspired by mycelium uncover the importance of the fungal networks that grow underground. Her work points to a more hopeful perspective of how  the earth, specifically mushrooms, can regenerate, activate and heal the damaged state of the environment. Reminding the viewer of the damage caused by human pollution and exploitation are Arnaudville, Louisiana-based artist Brandon Ballengée’s two bodies of work. The Crude Oil Series utilizes oils from oil spills to paint species that are either endangered or no longer survive in a particular region or body of water. The Frameworks of Absence series appropriates historical prints of species that have become extinct in the last hundred years. After surgically cutting out the extinct animal from the print, he cremates the ashes into funerary urns for each species. Paris-based artist Nathalie Blanc’s audio piece Manifesto for Fragility in the sound corridor reflects on the delicate state of her health and our environmental crisis. The work questions how frail conditions create growth potential and modify our behavior and environments.

Sweden and Germany-based artist, researcher, and amateur plant breeder Åsa Sonjasdotter edited and published Archive Journal n°9 as part of her exhibition and seed propagation project at Project Arts Centre (PAC), Dublin. This brought together practitioners to revisit histories of agriculture to investigate soil, habitat, and dwelling histories, introducing overlooked narratives of cultivation and ecological thinking. San Diego artist Ruth Wallen’s photomontage print from the Walking with Trees series demonstrates an exercise of mourning the death of trees caused by climate change or human-wrought disasters. New York and Maine-based Aviva Rahmani’s two works stem from the extensive Blue Trees Symphony project that began in 2015. Exploring how art, science, and law can change environmental policies about fossil fuels, Rahmani developed a several-mile-long installation composed of trees marked with painted vertical sine waves as notes, designating trees as a musical score for an overture. By harnessing copyright law, Rahmani protects the trees because they are considered protected artwork, safeguarding the land from eminent domain takings for pipeline development. Scotland-based artists Tim Collins and Reiko Goto’s Lanolin utilizes unwashed fleece to recreate Scotland’s national flag, speaking to how the removal of sheep from the Scottish landscape impacted trees and their ability to regenerate and grow. Their additional video work DECOY situates the viewer amongst the trees in a vast forest, reconciling the relationships and kinship between humans and forests.

The two works by The Harrisons address the life cycles and interconnectedness of ourselves and our planet. Untitled (Outtake from Seventh Lagoon Cycle), 1981-84, stems from their epoch project that spans over forty years. In it, they interpreted the ecosystem of the Pacific Rim, detailing interactions between watersheds and food production. The project resulted in a seven-part series of maps, collages, murals, photographs, performances, and poetry. The work is presented together with the never-before-seen work Epitaph, which is an initiation of a series that meditates on the voice of the web of life. The print renders two tombstones–one for Helen and one for Newton, detailing manifesto-like prose where Harrison asks, “After encountering a non-curable cancer, and three years after Helen passed. I asked the web of life, do you have any rules beyond self-making?” The work questions the ways in which species relate to life; Harrison shares, “All species give back as much as they take, except we (humans), just take. The web of life comes to me and shares these questions.”

Eco-art Work: 11 Artists from 8 Countries underscore the gravity and urgency of the state of our planet. Through their research-focused projects and collaboration, the artists promote the awareness of regional and global ecosystems, directing attention to our collective participation in the safety and health of our future and survival. 

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A Various Small Fires orgulhosamente apresenta Eco-art Work: 11 Artistas de 8 Países, uma mostra coletiva com curadoria dos célebres fundadores do Ecological Art Movement e do artista de galeria Newton Harrison (nascido em 1940) do The Harrison Studio, um estimado esforço colaborativo com seu falecida esposa Helen Mayer Harrison (1927-2018). Esta exposição reúne trabalhos de Harrison e dez artistas adicionais: Salma Arastu, Brandon Ballengée, Barbara Benish, Nathalie Blanc, Tim Collins e Reiko Goto, Jorgge Menna Barreto, Aviva Rahmani, Åsa Sonjasdotter, Ruth Wallen e Yangkura. As obras de mídia mista, pinturas, esculturas, som, vídeos e pesquisas destacam a urgência da injustiça ambiental em nossas comunidades locais e globais.

Com uma prática de mais de 50 anos, os Harrisons transformaram bairros, jardins, corpos d’água e até grandes volumes de terra por meio de suas obras de arte, pesquisas e propostas. Seus projetos influenciaram as políticas e moldaram o planejamento da cidade. Eco-art Work: 11 Artistas de 8 Países reflete um compromisso contínuo de não apenas fazer um trabalho que “beneficie o ecossistema”, mas inspirar e influenciar gerações de artistas a continuar o dever consciente de cuidar da Terra em que vivemos. Os Harrisons cobram de seu público em seu catálogo monumental, The Time of the Force Majeure: “‘Viajantes, vamos continuar o trabalho sério de reencantar o planeta”. A exposição reúne membros de uma extensa rede de artistas ecológicos dedicados a aumentar a conscientização sobre os impactos negativos contínuos da militarização, desrespeito ambiental, industrialização e poluição da terra.

O vídeo de canal único do artista Jorgge Menna Barreto, de Santa Cruz, intitulado Lugares Moles, retrata uma estrutura de blocos feita de manteiga derretendo lentamente pelo calor e pelas luzes da câmera em modelos humanos e arquitetônicos, tecendo um comentário sobre as mudanças climáticas. Trabalhando na República Tcheca e em Santa Cruz, Califórnia, a artista Barbara Benish apresenta obras de sua série Climate House. Ao modificar desenhos e ilustrações arquitetônicas da década de 1930, a artista sublinha a realidade das mudanças climáticas, justapondo a urgência das marés crescentes à esterilidade das plantas. Baseado em Seul, Yangkura coleta o lixo trazido pelo mar nos litorais da Coreia do Sul para projetar monstros elaborados com os quais ele então faz performances.

Enraizando-nos na terra, estes são trabalhos que descentralizam o humano e fornecem uma lente multiespécies para a justiça climática. Inspiradas por micélios, as pinturas de Salma Aratsu revelam a importância das redes de fungos que crescem no subsolo. Seu trabalho aponta para uma perspectiva mais esperançosa de como a terra, especificamente os cogumelos, podem regenerar, ativar e curar o estado danificado do meio ambiente.  Os trabalhos do artista Brandon Ballengée, de Arnaudville, Louisiana, relembram o espectador dos danos causados ​​pela poluição e exploração humana. Sua série Crude Oil utiliza óleos de derramamentos de óleo para pintar espécies ameaçadas ou que não sobrevivem mais em determinada região ou corpo d’água; já a série Frameworks of Absence se apropria de impressões históricas de espécies que se extinguiram nos últimos cem anos. Depois de cortar cirurgicamente os animais extintos das impressões, ele crema as cinzas e, para cada espécie, cria urnas funerárias. A peça de áudio da artista parisiense Nathalie Blanc Manifesto for Fragility, no corredor de som, reflete sobre o delicado estado de sua saúde e sobre a nossa crise ambiental. O trabalho questiona como condições frágeis criam potencial de crescimento e modificam nosso comportamento e ambientes.

Pesquisadora e criadora amadora de plantas, a artista sueca-alemã Åsa Sonjasdotter, editou e publicou o Archive Journal n°9 como parte de seu projeto de exposição e propagação de sementes no Project Arts Centre (PAC), Dublin.Tal feito reuniu profissionais para revisitar histórias da agricultura para investigar histórias de solo, habitat e habitação, introduzindo narrativas negligenciadas de cultivo e pensamento ecológico. A impressão de fotomontagem da artista de San Diego, Ruth Wallen, da série Walking with Trees, demonstra um exercício de luto pela morte de árvores causadas por mudanças climáticas ou outras decorrências da intervenção humana no meio ambiente. Os dois trabalhos de Aviva Rahmani, artista de Nova York e Maine, derivam do extenso projeto Blue Trees Symphony, iniciado em 2015. Explorando como a arte, a ciência e a lei podem mudar as políticas ambientais sobre combustíveis fósseis, Rahmani desenvolveu uma instalação de vários quilômetros composta por árvores marcadas com ondas senoidais verticais pintadas como notas, designando as árvores como partitura para uma peça musical. Ao aproveitar a lei de direitos autorais, Rahmani protege as árvores por serem consideradas obras de arte protegidas, preservando a terra de tomadas de domínio eminentes para o desenvolvimento de oleodutos. Artistas da Escócia, Lanolin de Tim Collins e Reiko Goto utilizam lã não lavada para recriar a bandeira nacional da Escócia, discorrendo sobre como a remoção de ovelhas da paisagem escocesa impactou as árvores e sua capacidade de se regenerar e crescer. Seu trabalho de vídeo adicional, DECOY, situa o espectador entre as árvores em uma vasta floresta, conciliando as relações e parentesco entre humanos e florestas.

As duas obras de The Harrisons abordam os ciclos de vida e a interconexão de nós mesmos e do nosso planeta. Untitled (Outtake from Seventh Lagoon Cycle), 1981-84, decorre de um projeto que se estende por mais de quarenta anos. Nele, os artistas interpretaram o ecossistema da Orla do Pacífico, detalhando as interações entre as bacias hidrográficas e a produção de alimentos. O projeto resultou em uma série de sete partes de mapas, colagens, murais, fotografias, performances e poesias. A obra é apresentada juntamente com a obra inédita Epitaph, que é a iniciação de uma série que medita sobre a voz da teia da vida. A impressão renderiza duas lápides – uma para Helen e outra para Newton, detalhando uma prosa semelhante a um manifesto, em que Harrison pergunta: “Depois de encontrar um câncer incurável e três anos após a morte de Helen. Perguntei à teia da vida, você tem alguma regra além da autocriação?” A obra questiona as formas como as espécies se relacionam com a vida; Harrison compartilha: “Todas as espécies devolvem tanto quanto recebem, exceto nós (humanos), apenas recebemos. A teia da vida vem até mim e compartilha essas questões.”

Eco-art Work: 11 artistas de 8 países ressalta a gravidade e a urgência do estado do nosso planeta. Por meio de projetos e colaborações focados em pesquisa, os artistas promovem a conscientização dos ecossistemas regionais e globais, direcionando a atenção para nossa participação coletiva na segurança e saúde de nosso futuro e sobrevivência.

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